Una selección especial con las mejores series y películas, que incluye también estrenos en salas de cine.
Estas son las series y películas para ver en el fin de semana en Netflix , Disney Plus, Max, MUBI y YouTube.
1. Película para ver en MUBI: La sustancia
Elizabeth Sparkle (Demi Moore) es una ex actriz y presentadora de un programa de fitness que, al acercarse a los 50 años, es despedida por Harvey (Dennis Quaid), su productor, quien busca a una conductora más joven. Desesperada por mantenerse en el centro de atención, Elizabeth recurre al mercado negro, donde encuentra una solución que le permite "renacer" con la mitad de su edad.
Este film de horror con toques de ciencia ficción, dirigido por Coralie Fargeat y con un guion premiado en el último Festival de Cannes, promete mucho más de lo que finalmente ofrece. Visualmente, destaca con un estilo que recuerda a las simetrías y los grandes angulares de Stanley Kubrick, además de evocar temáticas similares a las de La mosca (David Cronenberg, 1986) y Showgirls (Paul Verhoeven, 1995). Sin embargo, el contenido de la historia es tan ligero como la clara de un huevo frito.
Aunque la película pretende ser una sátira sobre la objetivación del cuerpo femenino, su enfoque termina siendo contradictorio, pues se dedica constantemente a mostrar desnudas a sus dos actrices. A lo antedicho suma su duración excesiva, que supera las dos horas, debido a la repetición de situaciones innecesarias; con una duración de 90 minutos, hubiera ganado mucho en concisión.
Demi Moore ofrece la mejor interpretación de su carrera. Aunque nunca fue considerada una gran actriz, la madurez parece haber potenciado su habilidad interpretativa. Margaret Qualley, que se perfila como una futura estrella, tiene poco que hacer más allá de mostrarse en pantalla, ya que su personaje carece de profundidad y parece más un avatar que una persona real.
Una vez que el espectador se acostumbra a la propuesta visualmente llamativa pero semánticamente vacía de Fargeat, el interés por la trama comienza a decaer.
Solo recomendado para los fans de Demi Moore.
2. Película para ver en Netflix: La singular vida de Ibelin
Max Steen falleció a los 25 años debido a una enfermedad degenerativa muscular, que lo dejó postrado la mayor parte de su vida. Para mitigar su creciente aislamiento, se cree que pasó cerca de 20,000 horas jugando videojuegos en el sótano de la casa familiar. Al acceder a sus cuentas de Internet para notificar su muerte, sus padres se sorprendieron al recibir cientos de mensajes de personas con las que su hijo había forjado relaciones virtuales y que lamentaban profundamente su pérdida.
Ibelin, el avatar que Steen creó para World of Warcraft, fue el protagonista de una vida virtual llena de amistades, emocionantes aventuras e incluso historias de amor. Sin embargo, lo hizo todo sin revelar su enfermedad ni desvelar su identidad real a sus compañeros de juego.
Este documental noruego, dirigido por Benjamin Ree, emplea una animación que imita la estética del propio videojuego y las voces de varios actores y actrices para narrar la vida secreta de un joven que, a pesar de las adversidades, nunca se dio por vencido, incluso cuando muchos creyeron que lo había hecho. También se incluyen numerosos registros de la familia de Max, desde que su madre estaba embarazada en 1989 hasta poco antes de su fallecimiento.
El trabajo de Ree evita cualquier especulación morbosa y se enfoca en mostrar de manera exhaustiva el lado positivo de las relaciones virtuales. Estas, según el documental, pueden ofrecer un refugio vital para personas con limitaciones físicas, permitiéndoles mantener conexiones que serían casi imposibles en el mundo real, debido tanto a restricciones físicas como a prejuicios sociales.
A través de los testimonios de los padres, la hermana y algunos jugadores sorprendidos por la pérdida de su amigo virtual, La singular vida de Ibelin logra tocar las emociones de manera honesta y sincera, con recursos directos y efectivos.
Altamente recomendado.
3. Miniserie para ver en Max: No soy un monstruo: Los crímenes de Lois Riess
¿Una abuela asesina? Sí, como lo demuestra este impactante documental en dos episodios sobre la trágica vida de Lois Riess, una mujer de 56 años, esposa, madre y abuela, que en 2018 primero mató a su marido y luego a una buena samaritana que se cruzó en su camino.
Lo que distingue a esta producción de otras sobre crímenes es que Lois Riess ofrece su versión de los hechos. En sus propias palabras, explica las motivaciones detrás de sus acciones, lo que nos proporciona una perspectiva inédita sobre por qué mató a su esposo, David Riess, y a Pamela Hutchinson.
En sus declaraciones, Riess, originaria de Minnesota, señala que su matrimonio de tres décadas con David estuvo marcado por años de abuso, lo que, según ella, la llevó a perder el control y, finalmente, asesinar a su esposo. También relata su huida posterior al crimen, que culminó con el asesinato de Pamela Hutchinson en un hotel de Fort Myers Beach, Florida, semanas después.
El motivo detrás del asesinato de Pamela Hutchinson parece ser aún más frío y calculador. Riess mató a Hutchinson en abril de 2018 en un hotel de Florida, con la intención de robar su identidad, su coche y sus tarjetas de crédito.
Finalmente, tras ser capturada en Texas, después de una intensa persecución que mantuvo en vilo a todo el país, se descubrió que Lois ya estaba seleccionando a una tercera víctima, quien también da su testimonio en el documental.
Uno de los puntos más fascinantes de este relato es la dificultad de clasificar a Lois: ¿es una psicópata o simplemente una persona trastornada? Proveniente de una familia con antecedentes de problemas mentales graves, su vida comenzó a desmoronarse debido a la ludopatía. Además, Lois, quien en la pantalla luce tan dulce y entrañable como una Doris Day madura, parecía vivir una vida idílica, rodeada de lujo, hasta que todo se desmoronó.
Como un atractivo secundario, la miniserie también ofrece una mirada al estilo de vida de la generación Silver, con sus yates, cócteles y lujosos entornos en Florida.
Muy recomendada.
4. Película para ver en Disney Plus: Como el mar
Este drama con tintes de comedia, dirigido por Nicolás Gil Lavedra, sigue a dos hermanas enfrentando la muerte de su madre. Una de ellas, Paula (Sofía Gala Castiglione), es considerablemente mayor que la otra, Azul (Zoe Hochbaum). Mientras revisan las pertenencias de la difunta, Azul descubre que, en realidad, Paula es su madre.
A partir de este sorprendente giro, el guion escrito por Hochbaum y Gustavo Gersberg se orienta hacia la búsqueda del padre, quien se encuentra en algún lugar de Cabo Polonio. Madre e hija emprenden un viaje de contrabando a Uruguay, donde se hospedan en la casa de una tía excéntrica y comprensiva (Carmen Maura), que parece vivir en un constante estado de fiesta. Como es propio de las road movies, a lo largo del viaje se cruzan con varios personajes, incluidos unos chicos y un camionero, compartiendo con ellos experiencias de vida y momentos de relajación alrededor de una fogata.
La película se centra en los intercambios entre madre e hija, sus cuestionamientos, culpas y reproches, los cuales ocupan gran parte del metraje. Sin embargo, el tono fresco y espontáneo que el director imprime a la historia evita que se vuelva pesado.
Con hermosos paisajes rurales y secuencias impresionantes en Cabo Polonio, la película ofrece un deleite visual, además de las excepcionales interpretaciones de Sofía Gala Castiglione, que con una mirada profunda puede transmitir un sinfín de emociones, y de Zoe Hochbaum, cuya frescura le valió el premio Martín Fierro a la revelación cinematográfica.
Recomendada.
5. Película para ver en YouTube: La batalla de Argelia
La Batalla de Argelia (1966) es una de las películas más influyentes del cine político y bélico, dirigida por Gillo Pontecorvo y con guion de Franco Solinas. Ambientada durante la Guerra de Independencia de Argelia (1954-1962), la película narra los intensos enfrentamientos entre el Frente de Liberación Nacional (FLN) de Argelia y el ejército colonial francés, con un enfoque particular en los combates urbanos en la ciudad de Argel. La historia presenta dos perspectivas opuestas: los insurgentes del FLN, que luchan por la independencia, y las fuerzas francesas, que buscan sofocar la rebelión mediante tácticas extremas.
A lo largo de la película, se muestran una serie de eventos dramáticos y tácticas de guerra urbana, donde ambos bandos emplean métodos despiadados. El FLN recurre al terrorismo y la lucha guerrillera, mientras que las fuerzas francesas utilizan la tortura, el control militar y la represión para imponer la pacificación. Aunque la película no toma partido explícitamente, ofrece una crítica feroz a la violencia del colonialismo y la represión.
Los insurgentes del FLN, liderados por el carismático Ali La Pointe, buscan liberar Argelia de la ocupación francesa, utilizando atentados y una guerra de guerrillas. Por su parte, las fuerzas francesas, bajo el liderazgo del coronel Mathieu (interpretado por Jean Martin, el único actor profesional), responden con tácticas brutales de control urbano, incluyendo torturas y represalias sistemáticas para desmantelar la insurgencia.
Una de las secuencias más impactantes -subrayada por la música del maestro Ennio Morricone- es la de un grupo de mujeres que, con bombas ocultas en sus carteras, las colocan en lugares estratégicos, siempre bajo el peligro inminente de ser descubiertas. La película también muestra las torturas a las que recurren los franceses para obtener información, con escenas espeluznantes de descargas eléctricas, golpizas, estiramientos corporales y el "submarino" (asfixia por agua).
La idea de La batalla de Argelia surgió en un contexto histórico donde las luchas por la independencia en las colonias africanas eran un tema candente. El director italiano Gillo Pontecorvo se interesó profundamente por el conflicto de Argelia debido a su significado simbólico en la lucha contra el colonialismo europeo. La película fue una coproducción entre Italia y Francia, financiada por productores italianos y franceses, y se basó en reportajes y testimonios de la época, así como en la obra de los periodistas que cubrieron el conflicto.
Pontecorvo adoptó un enfoque realista y casi documental, que le permitió evitar los convencionalismos del cine bélico de la época, caracterizado por el heroísmo y la glorificación de la guerra. Inspirado por el cine neorrealista italiano, que se centraba en representar las realidades sociales y políticas sin adornos, Pontecorvo logró capturar la atmósfera de tensión y caos del conflicto urbano, utilizando actores no profesionales para darle mayor autenticidad a las escenas.
Gillo Pontecorvo (1922-2006) fue un director y guionista italiano conocido por su cine comprometido políticamente. Su obra estuvo marcada por un fuerte enfoque en temas sociales, y La batalla de Argelia es probablemente su película más conocida y representativa. Influenciado por el cine militante y su crítica al colonialismo, Pontecorvo utilizó este filme como una forma de abordar la violencia política y los métodos represivos, temas que exploró a lo largo de su carrera.
La batalla de Argelia fue aclamada por la crítica y recibió numerosos premios, incluyendo el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 1966. También recibió nominaciones al Oscar en la categoría de mejor película extranjera, así como a mejor director y mejor guion. A pesar de su éxito internacional, la película suscitó gran controversia por su retrato de la violencia y la representación del colonialismo francés, lo que llevó a las autoridades francesas a prohibir su exhibición durante varios años.
Uno de los aspectos más interesantes de la película es su influencia global, especialmente en América Latina. Las tácticas represivas utilizadas por el ejército francés en la película fueron adoptadas por varios regímenes autoritarios, incluidos los militares argentinos durante la dictadura de 1976-1983.
En la película, el ejército francés utiliza la tortura sistemática, la represión de protestas y el asesinato extrajudicial como medios para sofocar la resistencia. Estos métodos fueron estudiados y, en algunos casos, implementados por las fuerzas de seguridad argentinas. En particular, las tácticas de tortura y desapariciones forzadas que se muestran en el filme fueron adoptadas por los oficiales argentinos en su lucha contra los grupos guerrilleros y los movimientos de resistencia durante la dictadura iniciada en 1976.
El film es de visión imprescindible para los amantes del buen cine.
Seguí a El Economista en Google
Agreganos a tus medios preferidos.
+ Agregar
