Qué ver: el regreso de Legalmente rubia en Prime Video, vecinos de pesadilla en Netflix y un thriller español imperdible

Una selección especial con las mejores series y películas, que incluye también estrenos en salas de cine.

Estas son las series y películas para ver en el fin de semana en Netflix, Prime Video, MUBI, Flow y YouTube.

1. Serie para ver en Prime Video: Elle

A un cuarto de siglo del estreno de Legalmente rubia, se expande la franquicia con Elle, una precuela ambientada en 1995 que imagina la adolescencia de Elle Woods antes de su ingreso a Harvard. La historia comienza cuando un error profesional de su padre, un prestigioso cirujano plástico, obliga a la familia a abandonar el lujo y el sol de Beverly Hills para instalarse en la lluviosa y gris Seattle. En ese nuevo entorno dominado por la estética grunge, los prejuicios y la apatía adolescente, Elle deberá ganarse un lugar sin renunciar a su optimismo, a su guardarropa rosa ni a la convicción de que la amabilidad también puede ser una forma de resistencia.

La principal diferencia con las películas reside en el cambio de género y de escala. Mientras Legalmente rubia encontraba su fuerza en la sátira universitaria y el relato de superación dentro del competitivo mundo académico, esta serie funciona como un drama juvenil con romance, conflictos escolares, amistades, un pequeño misterio financiero y una fuerte dosis de nostalgia noventera. El problema es que la serie termina repitiendo el mismo arco de crecimiento que ya recorría la película original. Elle vuelve a demostrar que es mucho más inteligente de lo que todos creen, aprende nuevamente a enfrentarse a los prejuicios y reafirma una personalidad que, en teoría, todavía debería descubrir años después en Harvard. Como precuela, esa redundancia debilita la continuidad de la saga y hace que buena parte de sus conflictos pierdan peso dramático.

La gran revelación es Lexi Minetree, quien asume la difícil tarea de suceder a Reese Witherspoon sin caer en la mera imitación. Aunque la actriz tiene una edad muy superior a la de su personaje, consigue reproducir el entusiasmo, la simpatía y la energía contagiosa que convirtieron a Elle Woods en un ícono de la cultura popular. Su interpretación sostiene la serie incluso cuando el guion recurre a lugares comunes de las historias para adolescentes. También destaca June Diane Raphael como Eva Woods, la madre de Elle, una mujer extravagante, protectora y de humor afilado que aporta algunos de los mejores momentos de la temporada de 8 episodios. Raphael logra que el personaje trascienda el estereotipo de la madre superficial y construye una figura cálida que dota de mayor profundidad emocional a los conflictos familiares.

Muy colorida, ligera y agradable, Elle funciona mejor cuando se olvida de que pertenece a una franquicia y se entrega al entretenimiento. Sin embargo, nunca consigue justificar plenamente su existencia como historia de origen. Más que revelar aspectos desconocidos de su protagonista, la serie recicla enseñanzas que el público ya había visto en la película, convirtiéndose en una experiencia simpática y nostálgica, pero también prescindible dentro del universo de Elle Woods.

Recomendada.

2. Película para ver en Mubi: Peacock

La ópera prima del austríaco Bernhard Wenger, parte de una premisa tan absurda como inquietantemente plausible. Matthias dirige una empresa que alquila personas para interpretar cualquier papel social imaginable: novio, hijo, compañero de golf, padre ejemplar o invitado distinguido. Su talento para convertirse en aquello que los demás necesitan termina erosionando su propia identidad, hasta el punto de que ni su pareja logra reconocer quién es realmente. A partir de esa idea, Wenger construye una sátira sobre una sociedad obsesionada con la imagen, el rendimiento emocional y las relaciones convertidas en servicios de consumo.

La película se mueve entre la comedia negra, el humor absurdo y la incomodidad propia del cine de Yorgos Lanthimos o Ruben Östlund, aunque con una mirada menos cruel hacia sus personajes. Wenger ridiculiza el lenguaje corporativo, el culto al desarrollo personal, las apariencias de la alta burguesía y la mercantilización de los vínculos afectivos. Muchas de las situaciones provocan una risa incómoda: clientes que alquilan un hijo para mejorar su reputación, un perro rentado para completar una vida perfecta o reuniones sociales donde todos interpretan un papel descolorido. El humor nace del contraste entre la extrema cortesía de Matthias y un mundo que ha reemplazado la autenticidad por la performance permanente, convirtiendo la vida cotidiana en una sucesión de personajes cuidadosamente ensayados.

Albrecht Schuch (Sin novedad en el frente) sostiene la película con una interpretación extraordinariamente precisa. Con mínimos cambios en la expresión, la postura corporal y el tono de voz consigue transmitir la progresiva desaparición de un hombre que ha olvidado cómo ser él mismo. Su actuación evita cualquier exceso dramático y encuentra un delicado equilibrio entre la comicidad física y una profunda tristeza existencial. Julia Franz Richter, como su pareja Sophia, funciona como el contrapunto emocional que evidencia hasta qué punto Matthias se ha vaciado de personalidad. Ambos aportan humanidad a un relato que podría haber quedado reducido a un mero ejercicio conceptual.

Aunque el guion incurre en cierta reiteración durante el desarrollo y prolonga más de la cuenta la crisis de identidad del protagonista, Peacock nunca pierde su capacidad de observación ni su ingenio visual. Wenger confirma un debut prometedor con una sátira elegante, inteligente y mordaz que cuestiona cuánto de nuestra personalidad pertenece realmente a nosotros y cuánto responde a las expectativas ajenas. Divertida, incómoda y sorprendentemente melancólica, la película convierte una idea extravagante en un agudo retrato de una época donde, con demasiada frecuencia, parecer importa mucho más que ser.

Recomendada.

3. Miniserie para ver en Netflix: Los peores vecinos del mundo

Tras Los peores compañeros de casa del mundo y Los peores ex del mundo, la miniserie traslada ahora el foco al vecino de al lado, demostrando que una simple disputa por una medianera, un jardín o un estacionamiento puede desembocar en tragedias inimaginables. El guion, compuesto por cuatro episodios independientes, reconstruye casos reales mediante entrevistas con víctimas, familiares, investigadores, llamadas al 911, archivos judiciales, imágenes de vigilancia y recreaciones animadas que sustituyen las dramatizaciones tradicionales con actores.

El primer episodio narra el progresivo enfrentamiento entre el matrimonio Scott y Frances Zaayer, una antigua amiga de la familia cuya obsesión, racismo y paranoia terminan transformando un conflicto vecinal en un asesinato. El segundo reconstruye la explosión que destruyó un barrio entero en Richmond Hill (Indiana), provocada por una estafa destinada a cobrar un seguro y que dejó dos muertos y decenas de viviendas reducidas a escombros. El tercero sigue el acoso sistemático que sufrió la familia Armstead por parte de un vecino violento, una persecución que culmina con un homicidio pese a las reiteradas denuncias ignoradas por las autoridades. Finalmente, el episodio denominado El ejecutor abandona la confrontación directa para centrarse en una sofisticada estafa inmobiliaria y financiera protagonizada por una falsa administradora de herencias que ocultó durante meses la desaparición de un anciano millonario.

Como documental, la serie resulta notablemente eficaz para ordenar cronologías complejas y explicar cada investigación con un ritmo ágil. La abundancia de documentos oficiales, registros telefónicos, mapas, fotografías y testimonios de primera mano permite comprender con claridad cómo se desarrollaron los hechos y cuáles fueron las decisiones policiales y judiciales posteriores. Las animaciones, lejos de resultar un mero recurso estético, facilitan la reconstrucción de escenas imposibles de filmar sin caer en dramatizaciones exageradas, manteniendo un equilibrio entre la información y el entretenimiento.

Su principal limitación aparece precisamente en esa vocación de consumo rápido. Cada episodio privilegia el suspenso y el impacto emocional por encima de un análisis más profundo de los problemas sociales que atraviesan los casos, como el racismo, las fallas institucionales, la salud mental o la negligencia policial. 

Muy recomendada.

4. Película para ver en Flow: La isla mínima

Este film de Alberto Rodríguez es uno de los grandes thrillers europeos del siglo XXI y una obra decisiva dentro del cine español contemporáneo. Ambientada en 1980, durante la frágil transición de España hacia la democracia, la película sigue a dos policías enviados desde Madrid a un remoto pueblo de las marismas del Guadalquivir para investigar la desaparición de dos adolescentes. Lo que comienza como un caso criminal pronto revela una red de violencia contra las mujeres, corrupción, silencios cómplices y heridas abiertas por el franquismo que aún condicionan la vida cotidiana de una comunidad aislada.

La investigación funciona también como una confrontación permanente entre sus dos protagonistas. Juan (Javier Gutiérrez, excelso) es un veterano policía marcado por su pasado dentro de los aparatos represivos de la dictadura: pragmático, intuitivo y dispuesto a utilizar la violencia para obtener respuestas. Pedro (Raúl Arévalo), en cambio, representa a la nueva España democrática: más idealista, crítico con el autoritarismo y convencido de que la ley debe imponerse sobre los viejos métodos. Rodríguez evita convertirlos en simples opuestos ideológicos y muestra cómo, a medida que avanza la investigación, ambos terminan contaminándose mutuamente. Esa tensión entre experiencia y renovación, entre memoria y olvido, convierte el duelo interpretativo entre Gutiérrez y Arévalo en el dinamo dramático del film.

Uno de los grandes protagonistas de La isla mínima es su paisaje. Las inmensas marismas andaluzas, fotografiadas magistralmente por Álex Catalán, dejan de ser un simple escenario para transformarse en una extensión física del misterio. Los planos aéreos revelan un laberinto de canales que recuerda tanto a un mapa vascular como a un cerebro humano, mientras que el barro, la niebla, los arrozales y las aguas estancadas transmiten la sensación de que bajo esa belleza natural se esconden secretos imposibles de enterrar. El entorno determina la investigación, condiciona los movimientos de los personajes y aporta una atmósfera opresiva que acerca la película tanto al film noir como al gótico rural.

Como thriller, Rodríguez demuestra un extraordinario dominio del suspenso. La narración administra la información con precisión, introduce múltiples sospechosos, combina falsas pistas con giros verosímiles y mantiene una tensión constante sin recurrir al exceso de acción. La cuidada puesta en escena, el diseño sonoro dominado por cigarras, motores y viento, junto con una fotografía de colores apagados y una planificación elegante, evocan tanto el cine de David Fincher como el de David Lynch, aunque conservando una identidad profundamente española. El crimen nunca aparece desligado del contexto histórico: la investigación se convierte en una metáfora de un país que intenta construir la democracia mientras convive con estructuras de poder heredadas del franquismo.

El reconocimiento fue inmediato. La isla mínima obtuvo diez Premios Goya, entre ellos Mejor película, Mejor dirección para Alberto Rodríguez, Mejor actor para Javier Gutiérrez, Mejor Guion Original, Fotografía, Música Original y Montaje, además de numerosos premios internacionales y el reconocimiento de la crítica como uno de los mejores thrillers europeos de la década. Más que una brillante investigación policial, la película es un retrato inquietante de un país donde el pasado permanece oculto bajo la superficie, igual que los cadáveres que emergen lentamente de las marismas.

Imperdible.

5. Película para ver en YouTube: Rosa Luxemburgo

Con Rosa de Luxemburgo (tal el título de estreno en Argentina de este film de 1986), Margarethe von Trotta alcanzó una de las cumbres de su filmografía y consolidó la línea temática que atraviesa buena parte de su obra: el retrato de mujeres excepcionales enfrentadas a estructuras de poder profundamente masculinas. Después de explorar las tensiones entre política, identidad y emancipación femenina en la inolvidable Las hermanas alemanas (1981), la directora alemana volvió a demostrar su capacidad para combinar la reflexión histórica con la intimidad emocional. El resultado fue una de las grandes películas políticas del Nuevo Cine Alemán, distinguida con el premio a la Mejor actriz para Barbara Sukowa en el Festival de Cannes de 1986 y con el Deutscher Filmpreis a la Mejor película y a la Mejor actriz, además de numerosas nominaciones internacionales.

La película recorre la trayectoria de Rosa de Luxemburgo desde sus primeros años como intelectual y dirigente socialista hasta su asesinato en 1919 tras el fracaso del levantamiento de la Liga Espartaquista. Von Trotta sigue su enfrentamiento con la socialdemocracia alemana por el apoyo a la Primera Guerra Mundial, la fundación de la Liga junto a Karl Liebknecht, sus reiterados encarcelamientos y su inquebrantable defensa del internacionalismo socialista. Más que reconstruir todos los acontecimientos de una vida extraordinariamente compleja, la directora privilegia los momentos decisivos que explican la coherencia ética de una mujer incapaz de negociar sus convicciones.

Lejos de realizar una biografía exhaustiva, Von Trotta construye un retrato deliberadamente selectivo. Rescata a la Rosa de Luxemburgo pacifista, humanista y profundamente comprometida con la libertad de pensamiento, subrayando sus críticas tanto al militarismo alemán como a los autoritarismos surgidos dentro del propio movimiento revolucionario. También concede un espacio importante a su dimensión privada: sus relaciones sentimentales, su sensibilidad hacia la naturaleza y los largos períodos de prisión, donde las cartas y la reflexión sustituyen a los grandes discursos políticos. En cambio, el film deja en un segundo plano algunos aspectos fundamentales de su pensamiento económico, sus debates teóricos con Eduard Bernstein o Lenin, así como las contradicciones ideológicas que hicieron de Luxemburgo una figura incómoda tanto para la izquierda reformista como para el comunismo soviético. La complejidad intelectual del personaje cede parcialmente ante la necesidad de construir un retrato accesible y emocional.

Barbara Sukowa realiza una interpretación extraordinaria, intensa y llena de matices, que evita convertir a Luxemburgo en un simple icono político. Su Rosa transmite inteligencia, fragilidad física, pasión oratoria y una voluntad inquebrantable que nunca deriva en el fanatismo. A su alrededor destacan Daniel Olbrychski como Leo Jogiches, compañero sentimental y camarada revolucionario cuya relación está marcada por la tensión entre el amor y la militancia; Otto Sander como Karl Liebknecht, aliado imprescindible en la fundación del movimiento espartaquista; y Jürgen Holtz, Doris Schade y otros intérpretes que completan un sólido reparto. La fotografía de Franz Rath y la cuidada reconstrucción de época privilegian una puesta en escena sobria, donde las cárceles, los tribunales y las asambleas políticas adquieren tanta importancia dramática como los espacios íntimos.

Más que un tratado sobre el marxismo o una lección de historia, Rosa de Luxemburgo es la reivindicación de una mujer que se negó a sacrificar sus principios incluso cuando sabía que ello podía costarle la vida. Von Trotta no pretende resolver todas las contradicciones de un personaje histórico inmenso, sino devolverle su dimensión humana y política frente a décadas de simplificaciones ideológicas. Cuarenta años después de su estreno, la película conserva intacta su fuerza como retrato de una intelectual comprometida y como reflexión sobre el precio de la coherencia en tiempos de violencia y polarización política.

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